谢谢邀请禄来福来!
想拍专业一点的照片,只有一枚镜头够吗禄来福来?怎么拍?
专业,从摄影的角度来说,分好多的种类禄来福来。比如拍鸟、拍人像、拍风景、拍广告宣传,拍体育运动,室内摄影等等,就看你侧重那一个方面了。单纯拍人像,定焦更能发挥其优点,拍风景,一个广角也足够。如果你是一般的爱好者,一个镜头也够了。如果你是往专业摄影师去发展,一个镜头肯定是不够用的。
如何才能拍出高质量的片子?光源、角度、构思必不可少,只有把它们结合在一起,才能把片子拍的生动感人。
我喜欢旅游,也喜欢拍照,欢迎大师们指正。
一个公司赚的钱,利润分配主要看股东的股权比例,以吉利当年的利润,要收购沃尔沃就是蛇吞象,必须要进行大量的融资,在当时的情况下,全球经济一片悲哀,中国的豪车增长速度还保持在40%以上,有相当多的投资机构看好这桩收购案,事实也是对的,这几年来沃尔沃扭亏为盈,销量节节攀升,上市已经提上了日程,当年的投资方现在乐得合不拢嘴了吧!
附图有股东结构图,就单个股东来说,李书福肯定是最大的股东
车友会群主,老司机,以回答车方面的问题为主,觉得有用的话,请关注,多谢
谢谢邀请!也恕我冒昧谏言!
构图肯定是不是优秀摄影和绘画作品的根本。您把形式和实质弄反了。
构图、色彩、光影,这些都是照片或绘画的表面现象,不是本质。
诚然,一幅优秀视觉作品,是需要构图、光影、色彩的。但是也不是绝对的。
一幅优秀作品的本质是什么?我个人的理解是Story。也就是叙事性。
一幅作品要让人觉得耐看,无论是抽象的,还是具象的,一定要有故事,要有想象的空间。
如果把这些抽离了,那么就是行尸走肉了。
问题是,这样的行尸走肉在如今的摄影和绘画中实在太多了,并且占据了绝对主流的地位。
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去年我在回答一篇关于固定镜头便携相机是不是值得购买的问答中,放了很多照片。结果找来非常多的嘲笑。
就是上面这类照片中(与原文中引用的略有差异)。
懂得人自然懂,可是绝大部分人不明白。
因为这不是我拍摄的照片,这些是大师罗伯特.亚当斯的作品。
没有人觉得好看。
我在此,再次,引用这些照片是用一个非常极端的例子来说明一个问题:构图并不重要。
说实话,罗伯特.亚当斯的上面这些作品的构图、光影无一优美,甚至拙劣,色彩,没有的,这些仅仅是黑白照片。可是,我问一句,为什么他的作品是被顶级的艺术博物馆收藏呢?并且,在摄影历史上的地位不输给安塞尔.亚当斯呢?
因为,有Story的存在。观看罗伯特.亚当斯的作品,不能单幅去看,而是应该看他的系列相册。
在此,给大家小小科普一下:
在1975年,在纽约州的罗切斯特,一次美国摄影史上非常重要的影展开启了风光摄影的一个新时代。这次的影展名为New Topographics。按中文大概要翻译成“新地形测量学”。这次的影展有8位年轻的美国摄影师的作品参加,其中当然就包括了Robert Adams。此外还有 Lewis Baltz, Joe Deal,Frank Gohlke,Nicholas Nixon,John Schott,Stephen Shore,和Henry Wessel, Jr。此外还有德国的Bernd and Hilla Becher夫妇。
这次影展的重要性在于,它改变了摄影艺术家甚至社会大众对于“风景”的理解。这次影展中的十位摄影家,都关注于人类活动对自然风光的改变。过去的风光摄影,都在尽力躲避人类的存在。比如说建筑物要避开,人要避开,汽车要避开,因为“那些不好看”。也许这在20世纪前,甚至20世纪的前半都是一种理所当然的逻辑:人相对于自然是如此的渺小。在城市之外,还有太多我们未曾涉足或目睹的自然奇观。风光摄影家的一种职责就是让普通人在不远行的前提下感受到这些奇观。但在战后这开始改变。就算是在地广人稀的美国,无人涉足的土地也已经不复存在。唯一真正的未被人影响的自然,恰恰是那些被人类刻意保护起来的国家公园。因此,“风光”的定义,开始从“未被人涉足的自然景观”,变成“人存在的痕迹”。这正是New Topographics影展关注的。日后,这种风格和美学逐渐被全世界的摄影家接受,成为一种主流的风光摄影派别。虽然现在这种典型的New Topographics流派的摄影作品已经很少见,但这种风格无疑影响了近30多年的风光摄影家,甚至整个摄影艺术圈。
此外,New Topographics的摄影家另一个共通的地方就是:他们的照片里,缺少个人的判断和感情。甚至可以说,是缺乏艺术性。但这并非因为他们真的没有个人的判断和感情,而是因为他们在刻意的压制这些东西。从Robert Adams的照片里你可以明确的感到这点:你能感觉到他拍的每张照片都不是随性而拍的。构图和曝光都是精心考虑了的。但你却看不出他到底想说什么。在表面下的中性、客观和绝对的非感性之下(你甚至可以觉得他的照片是科学的记录照片),存在着一种强烈的艺术意图和感情。
上面给大家划了重点。
看完上面新地形学的代表作品,那些批评我的人可能还不服气,那么再看看上图。怎么样?看起来也是平平吧!这幅是布勒松的作品。
也并不太讲究构图和光影。其实根本就没有光影效果。
但是,这是他本人很喜欢的一幅作品。现在由布勒松基金会收藏着。
再来回望一下我们喜闻乐见风光摄影的作品,也需要强烈的叙事性元素来作为照片的核心构成。而不是简单地将构图、光影、色彩堆砌起来。比如竹内敏信的作品就是非常强烈的意识流作品,而不是风光。意识是他作品的内核,风光只是他作品的外壳。
安塞尔.亚当斯的作品也是如此。
我非常反对就单幅作品来评价照片,因为摄影语言有它的特殊性,我需要看系列作品来判断一个作者的水平,因为往往需要一个系列的作品,才能讲完一段故事。
那么说回构图,大师们的作品,构图一般都会很到位。道理很简单,他们绝大部分都受过很好的绘画基础训练。对透视尤其有出色的把握。
我再来多举一个例子来说明,那就是薇薇安.迈尔的作品。大家都知道薇薇安.迈尔的作品近来非常红火。大家在赞赏之余,可曾发现薇薇安.迈尔作品的缺点?
透视!她的致命伤。
这受制于她使用的相机,她没有很好地理解相机与摄影之间的关系。受制于禄来福来相机腰平取景的缺陷,导致她的视角比正常的普通人要低50%的高度。拍儿童没有问题,而拍摄成年人就有问题。大家仔细对比看看上面的图片。
她的光影、构图把握都很好,但是绝对暴露了她没有受过系统化摄影训练的弊病。
有人要说,我只看你照片的结果,绝对不会过问你用的是什么相机。
作为观赏者,没错!
但是,作为拍摄者的自己,或者是作为学习者,一定要非常清楚地搞懂你用的是什么相机。
作为绘画者的自己,或者是作为学习者,一定要非常清楚地搞懂你用的是什么画笔、颜料。
搞懂了原理(透视远远比构图重要),接下来,
构图,源于自然,发自内心,即可。